Egberto Bermúdez

CONSERVATORIO NACIONAL DE MUSICA: 1910-2010

2010-02-14T02:05:00.001-08:00

El Conservatorio Nacional de Música actual nació como Academia Nacional de Música en 1882 como parte de la instalación del proyecto de 'Regeneración' de Rafael Nuñez (). La más larga interrupción de labores de su época temprana tiene lugar entre 1899 y 1903 durante la guerra civil llamada 'de los Mil Dias'. Una vez finalizada ésta, los alumnos y profesores -entre ellos el joven violinista Guillermo Uribe Holguín () quien había permanecido un año en Estados Unidos- piden -con éxito- a su fundador Jorge W. Price (1863-1963) que asuma la dirección de la institución en donde permanece hasta 1906.

Conservatorio, c.1940-50
Fachada casa, Cra 7a. Calles 24 y 26
Foto E.Bermúdez

Conservatorio, c.1960s
Casa, Barrio la Merced, Cra 4 Calles 33-34
Foto. E. Bermúdez

II CONGRESO INTERNACIONAL DE TANGO

2009-10-27T07:34:00.001-07:00

Tango Tres Siglos: II Congreso Internacional de Tango
Casa de la Música, Villa Mercedes (San Luis), Argentina
11-12 de diciembre, 2009
Egberto Bermúdez, 'El tango en la musica popular colombiana'

Información:

BREVE HISTORIA DE LA MÚSICA EN BOGOTÁ-LUNES EN EL MUSEO- CENTRO CULTURAL PLANETARIO DE BOGOTÁ

2009-10-18T10:55:00.000-07:00

Plaza Mayor de Bogotá. c.1840
Atr. Francisco Castillo y Escallón

CONFERENCIAS:
Breve historia de la música en Bogotá, Parte I:
Lunes 19 de octubre
6 pm
Sala Oriol Rangel Centro Cultural Planetario de Bogotá,
Entrada libre

Parte II:
Lunes 26 de octubre
6 pm
Entrada Libre

Información adicional
http://www.culturarecreacionydeporte.gov.co/portal/node/2484

MONTEVIDEO-COLOQUIO: MUSICA/MUSICOLOGIA Y COLONIALISMO

2009-10-06T15:24:00.000-07:00

Coloquio Internacional
Música, musicología y colonialismo
Montevideo, 3-5 octubre, 2009
Centro Nacional de Documentacion Musical 'Lauro Ayestarán'
Ministerio de Educación y Cultura, Rep. Oriental del Uruguay

Programa

Domingo octubre 4, 2009
Espacio Guambia:
Recital Cantautores Uruguayos
Mauricio Ubal, Ruben Olivera, Fernando Cabrera

CATEDRA DEL CARIBE COLOMBIANO-SAN ANDRES

2009-09-18T10:44:00.000-07:00

Lanzamiento, segunda edición del CD:
Noboby Business but my Own: Traditional and Popular Music from Old Providence
Bogotá: Fundación de Música, 2008
Serie Oyendo el Caribe, 4
Fundación de Musica/Observatorio del Caribe Colombiano

Evento que se realiza simultáneamente a la presentación del 'Indicador Global de Competitividad de las ciudades del Caribe Colombiano 2008: el caso de San Andrés'

San Andrés, Auditorio Cámara de Comercio,
Viernes 23 de septiembre, 8.30 am

'Rondon' callejero, Augusto Otero, Laura Levillier y Juan C. Ramírez

CLAUDE LEVI-STRAUSS Y LA MÚSICA

2009-09-14T09:08:00.000-07:00

Miradas Lejanas: Homenaje a Claude Levi-Strauss
Seminario Internacional
Universidad Nacional de Colombia, 14-18 de septiembre, 2009
Edificio de Posgrados, Ciencias Humanas

Ver programa

La música en 1810-Catedra Bogotá

2009-09-07T12:01:00.000-07:00

La música en 1810
Cátedra Bogotá
Fundación Gilberto Alzate Avendaño
Calle 10 No. 3-16
Martes 8 de septiembre, 6 pm
Entrada Libre

III CATEDRA DE ARTES ALBERTO URDANETA-CATEDRA DEL CARIBE COLOMBIANO

2009-08-27T22:37:00.000-07:00

Cartagena, Centro de Formación
de la Cooperación
Española,
septiembre 4 de 2009

Santa Marta, Museo Bolivariano,
Quinta de San Pedro Alejandrino, septiembre 5 de 2009

Oyendo el Caribe: Riohacha, junio del 2009

2009-06-15T19:24:00.001-07:00

Francis Díaz en Uniandinos

2009-02-26T14:45:00.001-08:00

Francis Díaz, foto Oscar Monsalve

Ya hace más de dos años Uniandinos viene realizando los miércoles en la noche -con gestión de Fernando Vargas-Maza y su Capítulo de Música- una atractiva serie de conciertos que se ha convertido -a pesar de las limitaciones de su sala- en una importante alternativa para la música en Bogotá. Anoche (Febrero 25) Francis Díaz enfrentó un programa variado y sustancioso con solvencia y preparación. Además inició cada una de las dos partes del recital con breves. amables y acertados comentarios que sin duda ayudaron al disfrute de su programa.

¿Quién ha convencido a todos los pianistas colombianos -y algunos aunque no muchos del exterior- que las obras barrocas, especialmente las de Bach y Scarlatti son para tocar en primer lugar en los recitales de piano como si se tratara de ejercicios de calistenia y calentamiento? Supongo que es una tradición en la que tienen culpa ellos mismos y sus profesores, pero no una buena tradición pues justamente ayer afectó la calidad de las interpretaciones de Díaz. Las Suites Inglesas de Bach -Díaz inició su recital con la No. 2 BWV 807 en la menor- no son precisamente obras para servir de teloneras a otras de mayor envergadura, pues ya la tienen y de sobra. Después de un Prelude y una Alemande limpios y precisos la velocidad con la que enfrentó la Courante -adecuada por su carácter- tal vez hubiera requerido de una pieza anterior para entrar en dedos. Esto se acentuó con las dos Bourrées y la Gigue que por cansancio -no por falta de preparación ni de técnica- no tuvieron la brillantez del Prelude, tal vez la mejor interpretación de la noche.

La Suite breve de Luis Carlos Figueroa (1923) tenía coherencia en la propuesta de Díaz al pretender ilustrar dos momentos de la Suite como género musical pianístico e incluir una obra de un compositor local. Sin embargo, es una obra sin mayor interés, que sólo hace honor a su título (el Allegro inicial sólo tiene unos cuantos compases) y que bien hubiera servido de abrebocas, pues por poco sustanciosa, hubiera despertado justo apetito por los dos platos fuertes, el segundo de los cuales fue la serie completa de Baladas de Chopin. Aquí Díaz mostró fuerza -muy buena pulsación- y transparencia en los exigentes contrastes de los distintos episodios de estas obras. Mostró también mesura, sobriedad y buen sentido de estilo, sin exagerar ni en patetismo ni en lirismo, ni en rabia ni en queja. El piano de la sala por su parte, mostró su falta de regulación (voicing) y mantenimiento. Para ser usados en recitales no sólo basta afinarlos -aunque eso a veces ya constituye un gran logro- sino también, ponerlos en manos de especialistas que logren sacar la 'voz' del instrumento. El de Uniandinos, esta aún ronco y áspero en sus bajos y apretado en sus agudos. Ojalá pronto supere estas afonías.

Hace dos años -al comentar uno de los primeros conciertos en esta sala- anotaba que su escenario necesitaba urgentemente una adecuada iluminación. Pues bien, dos años después la sigue necesitando ya que los artistas quedan en penumbra y la poca que hay -también en forma insuficiente- ilumina sólo el fondo del escenario. Anoche los visos de colores no eran propiamente adecuados para un recital de esta índole. Tampoco han cambiado los inpertinentes sonidos de los walkie-talkies del personal ni la conversación en voz alta -ya iniciado el concierto- de quienes reciben a los asistentes. La puntualidad es sin duda de elogiar.

Dos pájaros de un tiro: 'ponle un bozal a tu hiel'

2007-11-17T06:24:00.000-08:00

Una noche de noviembre de 1991, Angelika Rettberg (entonces novísima amiga) me presentó a Joaquín Sabina. Esa noche, entre los jugueteos del también novísmo Inuit (el labrador de un mes de mi hermano) me descrestó Eclipse de mar. Siguieron semanas de deseo hasta que donde Saul, en la 19 (o tal vez en Sanandresito) mi hermano encontró el doble de Joaquín Sabina y Viceversa que se sumó a mi naciente colección de los también recién nacidos compactos. Oyendo y oyendo a Sabina creí encontrar de nuevo ese Serrat que ya casi había perdido del todo por mi descuido pero también por su culpa. Bienaventurados y Material Sensible no me habían gustado del todo. Sentía que los textos tenían versos muy largos y poco cantables, que no había melodías memorables, que sus canciones se comenzaban a parecer mucho entre sí. Le echaba la culpa al alejamiento de Ricard Miralles y el miércoles, reconocer sus filigranas en el teclado me produjo una inmensa alegría. Me acerqué lo que pude a Sabina, encargando sus discos y comprando otros en viajes ocasionales ya que estos fueron totalmente desconocidos en Bogotá hasta que a comienzos del nuevo siglo comenzaron a venderse. Me sentía un gourmet de la canción disfrutando y compartiendo en cassettes Besos con sal, Mas de cien mentiras, Medias negras, Aves de paso y muchas más. Encontraba sin embargo que ser proselito de Sabina no era fácil, que Bogotá era mil veces más provinciana que hoy y que las miradas críticas al amor y a la vida que nos proponían sus canciones no calaban en una ciudad mayoritariamente encaprichada con Soda Stereo y el neo-vallenato. Y volviendo al comienzo, Inuit murió en enero, su compañera Nain anteayer. Hoy, escribiendo esto, 'sin sus ladridos' y reconstruyendo el concierto del miércoles en el Coliseo del Campín desde la colecciones de Cds mia y de mi hermano, me satisface constatar que aún puedo llorar.

Filarmónicos y Mariachis

2007-08-18T18:42:00.001-07:00

El establecimiento de la música sinfónica en Colombia tiene una historia larga y compleja. Como en todas partes, se comenzó con un grupo de aficionados y profesionales locales y extranjeros que en nuestro caso establecieron la Sociedad Filarmónica en 1846. Esta funcionó irregularmente entre ese año y 1858, cuando los últimos esfuerzos por revivirla dieron origen a otra, la Unión Musical, de iguales características. Thomas Reed, el arquitecto del Capitolio, proyectó una sede para dicha Sociedad en la Plaza de San Victorino (ver ilustración), que infortunadamente nunca pasó de sus cimientos. Sus integrantes eran ‘filarmónicos’, es decir amantes de la música, pero aquellas eran ’orquestas sinfónicas’ pues contaban con los instrumentos y repertorio del género que se había consolidado como música sinfónica en aquellos mismos años. Estos grupos eran fruto de iniciativas privadas, con ingresos que provenían de sus conciertos y aportes de sus propios miembros.
El estado colombiano sólo muestra interés en esa música con la fundación de la Academia Nacional de Música en 1882. La Academia intentó tener una orquesta estable y cuando cambió de nombre a Conservatorio Nacional en 1910, ya había un grupo de músicos que constituyó la orquesta con la que Guillermo Uribe Holguín estrenó en el país obras de Wagner, Strauss y Debussy, que se llamó informalmente Orquesta del Conservatorio y que como parte de la ‘Revolución en Marcha’ de Alfonso López Pumarejo en 1934 se convirtió en la Orquesta Sinfónica de Colombia. Su apoteosis llega con Olav Roots como su director (1953-73) y con el compromiso de los gobiernos del Frente Nacional, que entregan su administración en 1968 al recién creado Instituto Colombiano de Cultura. La Sinfónica creó el público para la música sinfónica y la ópera, pero su fuerza como orquesta seguía dependiendo de los músicos extranjeros. Sin embargo, estos a su vez eran los profesores del Conservatorio y sirvieron de multiplicadores y para el final de aquella época de oro ya se veía como una nueva generación de músicos profesionales colombianos formados por aquellos, aparecía en el horizonte. Esta larga introducción para llegar a que en 1967, otra iniciativa privada, llamada Fundación Filarmónica de Colombia, encuentra eco en el gobierno municipal de Bogotá de la administración de Virgilio Barco (1966-69) que crea la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El acicate de esta iniciativa fue esa onda creciente en la música profesional colombiana alimentada por el Conservatorio. Los músicos extranjeros siguieron llegando, muchos más en cuanto desmejoraba y finalmente estallaba el clima social y político del bloque comunista. Mientras tanto, en Colombia no se pudo consolidar un programa estratégico de formación para esas primeras generaciones de músicos profesionales y muchos de ellos, prometedores y talentosos (casi todos hijos y nietos de músicos de extracción campesina) no lograron superar la mediana formación que habían recibido y así se lanzaron a la atractiva vida profesional. Este sería el telón de fondo de esa nueva época de la música sinfónica, la de la Filarmónica, desde los años 1970s hasta ahora, que amplió ese público, consolidó el repertorio y que fue pieza fundamental para que se llegara a contar con los programas e infraestructura de formación y programación musical que el gobierno distrital lidera.

El sábado pasado, los cuarenta años de la Filarmónica pudieron ser más lucidos, al menos musicalmente. En mi opinión el programa resultó inadecuado. Dos de las tres obras estaban en tonalidad menor y la primera de las tres, en su indeterminación y su monta, tendía más hacia lo ‘menor’ que hacia lo ‘mayor’. Como uno de los temas fue México, era como si allí se hubiera celebrado un cumpleaños cantando La Llorona en lugar de Las Mañanitas. Creería que una celebración artística tiende más hacia las lentejuelas y el dorado que hacía el luto, y me imaginé que muchos de nosotros sólo sobreviviríamos la nebulosa densidad de la Sinfonía No. 1 de Sibelius pensando en las cajas de vino que nos esperaban en el hall del teatro. Digo lentejuelas, porque he asistido a conciertos celebratorios (ver aquí mismo Nezahalcoyotl y Trasmilenio) en que se selecciona un programa más brillante y ligero, con obras conocidas, que emplean a fondo la orquesta, que la hacen lucir y que la gente disfruta, programas que aunque suenen trillados dejan una sonrisa …. antes del vino.

Una magnífica solista, Virginie Robilliard, quien como contraste al romanticismo meditativo del Concierto de violín de Sibelius (una de las obras cimeras de ese repertorio) nos ofreció además de su técnica y musicalidad, su gracia y brillantez.

Virginie Robilliard con la Orq. Sinfónica del Estado de Mérida, foto: Gerardo Sánchez

Sin embargo, sigo pensando que en una celebración así, la solista debería ser la orquesta misma. ¿Cómo lograrlo? Por ejemplo, convocando un concurso internacional de composición para estrenar mundialmente la obra premiada. La Filarmónica tiene un gran prestigio en el ámbito latinoamericano que hubiera podido capitalizar favorablemente. Si no se pensó en eso o no se pudo hacer, una segunda opción hubiera sido un concurso nacional que nos hubiera dado al menos, una mejor obra colombiana para incluir en el programa.

El acto inicial tampoco brilló. Apenas si la escaleras del escenario alcanzaron para el homenaje a los personajes centrales del evento. Los minutos que duró la primera obra se hubieran empleado mejor para darles a los homenajeados un espacio en el centro del escenario, dedicándoles más atención, como merecían. La Universidad Nacional, su Conservatorio de Música, y el Auditorio 'León de Greiff', su sede por mas de tres décadas, hubieran también merecido un reconocimiento más explícito. El acto final, mucho mejor, buena música y excelente vino, rarísimo en ocasiones como esta. Magnífico el Mariachi, que exhibe tendencias que no se ven comúnmente en México como el rescate del arpa como instrumento acompañante y que hizo justicia a nuestra tradición en ese campo, dicen algunos, hoy de tanta calidad como la de México. Después de un par de copas –y en tertulia de músicos- fue difícil no ceder a comentarios sobre la precisión y la afinación de violines y trompetas en que salía perdiendo la orquesta. Por cierto oí también comentarios desfavorables a la pertinencia de este conjunto en un acto así, o apreciaciones negativas del hecho que el concertino hubiera tocado con ellos. No los considero procedentes. El mariachi es de lo mejor de nuestra tradición colonial instrumental hispánica (tradición campesina de la que vienen muchísimos de nuestros músicos profesionales) que no sólo fue un acertado un homenaje a un director mexicano sino también una de las mejores muestras de la vitalidad de la música popular urbana en nuestra capital. Las dos tradiciones se fertilizan mutuamente, un buen ejemplo lo tuvimos esa noche, en uno de sus mosaicos, que incluyó el Aserejé, el Vuelo del moscardón de Rimsky-Korsakov y la Camisa Negra. Hay en la red una buena muestra de como músicos que no cuentan con esta tradición (los de la Orquesta Filarmónica de Berlín), deben luchar intelectualmente con los acentos desplazados y las relaciones hemiólicas de obras latinoamericanas como el Huapango de Moncayo.

No soy parte del público asiduo de la Filarmónica y por eso agradezco la amable invitación que tuve el privilegio de disfrutar. Eso lo comprendí cuando al llegar al concierto encontré varios colegas desconcertados esperando que un amigo, a veces uno poco frecuentado, les obsequíara una o dos entradas, pues ellos con su tarjeta habían llegado a la taquilla para reclamar las suyas para sólo encontrar el lapidario letrero: 'Agotadas las localidades'. Hay que esperar que siga firme el compromiso del gobierno distrital y que no ceda ante los apóstoles de la privatización: aún tenemos demasiado cerca la ‘reestructuración’ de la Orquesta Sinfónica de Colombia en manos del actual presidente y la desaparición de la Banda Distrital en las del antiguo alcalde Enrique Peñalosa.

Oyendo el Caribe: San Juan Nepomuceno y Riohacha

2007-08-07T18:07:00.000-07:00

En 1774, el teniente coronel de infanteria Antonio de la Torre Miranda recibió de las autoridades españolas de Cartagena el encargo de fundar pueblos con el fin -según sus propias palabras- de recoger gran cantidad de: 'desertores ... polizones ... negros cimarrones y profugos... indios e indias mezclados con mestizas, negras y mulatas' que 'propagaron una infinidad de castas difíciles de averiguar' y que además 'vivían en el mayor abandono ... dedicados a la embriaguez y a otros vicios propios de la vida libre...'. Una de las cuarenta y tres poblaciones que fundó fue San Juán Nepomuceno, en las ondulaciones de los Montes de María y nombrado así en honor del santo checo (Jan nacido en Nepomuk, Bohemia) canonizado en 1729, y que los Jesuitas se encargaron de promover para contrarrestar en aquella región la influencia de Jan Hus (1370-1415), precursor del protestantismo. La última década ha sido dura para este pueblo y hasta el año pasado se seguía hostigando y causando la desaparición forzada de los líderes de la asociación de campesinos desplazados por la acción de los paramilitares de las AUC, quienes -no muy lejos de allí y en febrero del 2000- fueron los autores de la masacre de El Salado (corregimiento de Carmen de Bolívar) en la que de forma macabra se hacía sonar el bombo de la banda de la escuela del pueblo para anunciar las sucesivas muertes de las casi cuarenta víctimas de aquella infame orgía de sangre, licor, drogas y música (1).

El Observatorio del Caribe Colombiano y la Fundación de Mvsica efectuaron allí, el pasado 26 de julio, la presentación del CD número dos de la serie Oyendo el Caribe, La acabación del mundo: Música de gaitas de los Montes de María del grupo Los Bajeros de la Montaña dirigido por Freddys Arrieta nativo, junto con otros de sus integrantes, de San Juan y otros pueblos aledaños. Después de un delicioso sancocho tradicional ofrecido por la familia Arrieta (ver foto), vino la presentación del disco en la sede del 'Corporación Los Catorce' en donde, además del concierto de Los Bajeros de la Montaña que tuvo gran eco entre la concurrencia (ver foto), se hicieron entrega de los CDs correspondientes a los derechos de autor e interpretación a Manuel Antonio 'Toño' García, Freddys Arrieta, Pascual Castro Fernández, Jorge Arrieta Caro y Edith Mendoza, heredera de Manuel de Jesús 'Mañe' Mendoza, oriundo de San Juan y el autor mejor representado en la producción.

'La bajera', puya, Freddys Arrieta, La acabación del mundo. Música de Gaitas de los Montes de María, Los Bajeros de la Montaña, Bogotá: Fundación de Musica, 2006, corte 2.

En Riohacha, el 30 de julio, día de la presentación de Shivaldamán. Música de la Sierra Nevada de Santa Marta (el número 3 de Oyendo el Caribe), Weildler Guerra -quien asupició la publicación de parte de estas grabaciones hace más de una década- me decía que hablando con los mama Wiwa que frecuentemente visitaban la ciudad, había comenzado a entender aquella Riohacha indígena no Wayúu. Ellos le hablaban de los sitios de pagamento (ofrendas indígenas), de lo que era macho y lo que era hembra, de como la ciudad es parte de ese ciclo vital que va desde el mar hasta las lagunas sagradas y los picos nevados (cada vez menos desafortuadamente) y que regresa en los ríos y quebradas que otra vez dan al mar, siendo el primero de ellos el Ranchería que 'ensucia' la playa de la ciudad (Ver foto). Recordábamos también, que no hace mucho, 105 años, Henri Candelier (2) todavía mencionaba a los Wayúu que mascaban hayo (hoja de coca) al igual que lo hacen hoy los Kogi, Ika y Wiwa (Sanhá).

En este CD se recogen grabaciones de música y narraciones míticas de los Kogi, Ika, Wiwa y comunidad campesina de El Limón, publicadas en forma de LP en 1994, complementadas por otras hechas con anterioridad entre los mismos grupos y la comunidad de Atánquez, que en los últimos años atraviesa por un procesos de reetnización indígena. En la ceremonia se hizo entrega al mamo Wiwa Julián Daza Malo (ver foto, al centro), en nombre de las comunidades y de la Organización Indígena Gonawindua Tairona, de los ejemplares correspondientes a derechos de autor e interpretación de dicha producción. En mi intervención, insistí en que no se trata de un 'rescate' de la música indígena de estos grupos sino de un trabajo de documentación sobre sus tradiciones musicales, ejemplo de la gran diversidad musical de la región. Son tradiciones vivas que no necesitan rescatarse, pero que para subsistir, requieren que sus portadores no sólo sobrevivan, sino que tengan una vida digna, con respeto no sólo de sus tradiciones intelectuales, religiosas y artísticas, sino también con el reconocimiento del pleno derecho a sus tierras ancestrales y al manejo del frágil ecosistema que consituyen el mar, los ríos y quebradas y sus valles, las ciénagas, la Sierra Nevada y el desierto de la Guajira. Este trabajo está dedicado a la memoria del Mama José de los Santos Mojica (Wiwa), y de los dirigentes Ika Luís Napoleón Torres (Bunkwanabinguma), Ángel María Torres (Bunkwanaringuma) y Hughes Chaparro; así como a la de los Wiwa Julián Mojica y José Pastor Calvo, todos asesinados por defender sus tierras, sus ideas y sus tradiciones culturales, crímenes que aún permanecen impunes.

'Chicote' Carrizos y maraca, Ramón Mojica (Wiwa), José María Lavata (kogi), El Limón, nov. 1993, Shivaldamán: Música de la Sierra Nevada de Santa Marta, Bogotá: Fundación de Mvsica, 2006, Oyendo el Caribe, 3, corte 13.

Aunque su presentación oficial se había hecho con anterioridad, en la misma ceremonia (ver foto) se hizo entrega de los CDs correspondientes a derechos de autor del primer volumen de la colección Oyendo el Caribe, La Vieja Guardia de Riohacha: 1940-72. Estuvieron presentes y recibieron sus respectivos ejemplares Hermócrates Pimienta, el único superviviente del grupo original y los familiares y herederos de Enrique Zimmermann, José A. López, Antonio Ezpeleta Daniés, Carlos Vidal Brugés, Luis Rafael Barros y Pedro Gómez Rios (foto, su hija Rosa Gómez de Herrera recibe sus ejemplares de parte de Alvaro Escorcia, Fundación Raíces, al extremo W. Guerra).

Elías Pinedo Mendoza, Morir soñando, vals, La Vieja Guardia de Riohacha: 1940-72, Bogotá: Fundación de Música, 2006, Oyendo el Caribe 1, corte, 26.

(1) Ver, http://www.prensarural.org/jyp20040717.htm, http://www.acnur.org/index.php?id_pag=4976 y
http://www.eluniversal.com.co/noticias/20070728/ctg_bol_el_salado_un_pueblo_al_que_obligaron_a_b.html
(2) Henri Candelier, Riohacha et les indiens Guajires, Paris: Firmin Didot, 1893; trad. castellana Riohacha y los indios Guajiros, Riohacha: Gobernación de la Guajira/Secretaría de Asuntos Indígenas/ECOE, 1994.

Nezahualcóyotl y Transmilenio

2007-07-06T19:03:00.000-07:00

(Codex Ixtlilxochitl, Bibliothéque Nationale, Paris)

Nezahualcoyotl (1431-72), señor de Texcoco (ver ilustración), reformador y centralizador del reino que también terminaría uniéndose a Cortés en contra de los Mexicas en 1520, es tenido también por poeta y cantor. Por esa razón se le dio su nombre a la Sala de Conciertos que, como parte del Centro Cultural Universitario de la UNAM, se inauguró en 1976, construida por los arquitectos Arcadio Artis y Orso Núñez, con diseño acústico de Christopher Jaffe inspirado en el de la Concertgebouw de Amsterdam y la Sala de la Orquesta Filarmónica de Berlín. El Centro cuenta con tres salas más y forma parte de la famosa zona cultural universitaria que alberga el sólido basamento de piedra de la Biblioteca Central de O’Gorman, los murales de Rivera en el Estadio Universitario y los de Siqueiros en el edificio de la Rectoría. Allí, en frente de uno de ellos, Francisco Delgado, mi guia y exalumno de la Universidad me llevó a fotografiar las emblemáticas ventanillas donde aún hoy se paga la matrícula simbólica que ni siquiera un apóstol de la privatización como Vicente Fox se atrevió a tocar.

Llegamos un minuto antes del comienzo y me pregunté si en México era la costumbre iniciar los conciertos con el Himno Nacional. No tenía programa, pero no fue necesario al oír el primer compás de la Quinta Sinfonía de Beethoven, lo que me llevó a pensar que se trataba de un concierto didáctico. En esa media hora, escudriñé la sala, su diseño y características. Amplísimo escenario, mal contadas, casi mil sillas en la platea (Primer Piso); alrededor de setecientas a los lados y detrás de la orquesta (Coro y Orquesta) y cerca de mil en donde yo estaba (Segundo Piso). En la segunda parte, al haberme perdido de mis compañeros en el intervalo, simplemente fui oyendo obra por obra. La primera fue una corta obra nacionalista mexicana, osada en su modernismo que no reconocí (Janitzio de Silvestre Revueltas (1899-1940) supe después), la Suite del Pájaro de Fuego de Stravinsky y como final, el archiconocido Huapango de José Pablo Moncayo (1912-58). Después vinieron Las Mañanitas y unas cortas palabras del joven director Carlos Miguel Prieto (ya con amplia trayectoria internacional) que se oyeron muy claras en la lejanía de mi silla pero cuyo cabal significado no entendí, pues la alusión a un cumpleaños me desconcertó. Cuando, durante el intervalo, intenté comprar una de las copas de vino que vi dispuestas sobre varias mesas, como es costumbre en otros escenarios, se me indicó que no eran para la venta sino que serían ofrecidas al final, sin costo. Las Mañanitas confirmaron que se trataba de una celebración y cuando llegue al lobby o foyer (como lo llamen) me recibieron decenas de meseros con cientos de copas de vino rojo y blanco, excelente por cierto y que abundó por más de hora y media. Calculando, tenía que haber más de mil personas allí, ya que durante el concierto estimé que la sala se había llenado en un sesenta por ciento. Vino más vino y luego, salmón, inmensos langostinos, muchos de ellos y mas tarde otras delicias. Busqué y no encontré a mis amigos así que decidí observar, comer y beber. La apariencia del público no era la de la gran burguesía mexicana, apuntaba más a una clase media acomodada de austera elegancia y pocas exageraciones. Desafortunadamente, esa misma austeridad hacía lucir como novicias a las azafatas (modelos, hostesses) contratadas para el evento, con el inevitable resultado de la evocación de la ropa ceñida y provocativa de las de cualquier evento colombiano.

Como resultados del concierto, una orquesta competente y profesional y un director con personalidad y precisión. El programa, aunque más que trillado, exigente. Ojalá hubiera tenido un programa de mano pues las notas escritas por Juan Arturo Brennan (fotógrafo, escritor, guionista de cine y el encargado de la serie de conciertos didácticos de la orquesta) eran a la vez informativas y críticas. Citaba por ejemplo lo que Revueltas con su característico humor escribió a propósito de su poema sinfónico de 1933 (revisado tres años después) que lleva el nombre de una isla de pescadores en el Lago de Pátzcuaro, Michoacán. Dice Revueltas: ‘El lago … es feo. Los viajeros románticos y sentimentales lo han embellecido con besos y música de tarjeta postal. Yo para no ser menos, también pongo mi grano de arena, en un infinito anhelo de gloria y renombre. La posteridad agradecerá, sin género de duda, estos esfuerzos pro-turismo’. De la obra de Moncayo (estrenada en 1941), comentando sobre su popularidad Brennan habla de sus consecuencias negativas y de cómo después de su estreno: ‘comenzó a ser usada y abusada como fondo musical para toda clase de propaganda oficialista y gubernamental, así como en numerosos productos audiovisuales comerciales, promocionales y turísticos de intención ‘nacional’ o ‘mexicanista’ con el consiguiente efecto de ‘abaratamiento por hartazgo’’.

Colegio de Minería, Casimiro Castro, 1864.

Alrededor de las 11.30 pm, muy satisfecho, aunque más gastronómica que artísticamente, noté que era el único asistente en salir a pie a tomar un taxi (además de también haber sido los únicos, con mis compañeros, en no ‘traer’ saco y corbata) y a unos pasos de la sala de conciertos, vi una nueva obra, un Museo en cuyas vallas se leía ICA, la empresa para la que la orquesta había tocado Las Mañanitas según la costumbre mexicana de cumpleaños y la que había pagado por el concierto y el magnifico agasajo. Sólo al día siguiente en el desayuno y una vez más, gracias a la información de Paquito mi anfitrión -también ingeniero- até cabos. Se trataba de la celebración de los 60 años de existencia de la inmensa compañía mexicana Ingenieros Civiles Asociados (ICA), la misma de las cuestionadas losas del Autopista y la Calle 80 en la primera etapa del Transmilenio de Bogotá. También supe que la orquesta que había tocado era la Orquesta Sinfónica de Minería (OSM), creada en 1978 y uno de las grandes del país a pesar de que en México, la gente de la música diga que son los mismos (sobre todo los músicos de Europa Oriental) de la Sinfónica Nacional que una vez terminada su temporada pasan a tocar a aquella. Hay mucho más que eso. La Orquesta Sinfónica de Minería forma parte de la Academia de Música del Palacio de Minería, hermosa edificación de la calle de Tacuba en el centro de la ciudad, (ver ilustración), antigua sede del Colegio Nacional de Minería, hoy Facultad de Ingeniería de la UNAM. Se sabe que allí, entre científicos, funcionaba en 1807 una Academia de Música en la que se organizaban con regularidad conciertos de obras de compositores europeos (como Haydn) y mexicanos como José Manuel Aldana y Mariano Soto Carrillo. La UNAM recuperó esa tradición con la fundación de la OSM y contribuyó así a ensanchar la oferta musical de la ciudad. Una vez más fue inevitable la comparación, esta vez con la Universidad Nacional de Colombia y la ignorante incomprensión por parte de grupos de sus estudiantes, profesores y trabajadores de lo que significa para la ciudad y el país la existencia del Auditorio León de Greiff. Pero peor aún, recordar la desaparición de la Banda Distrital, la Banda Nacional y la 'reestructuración' y encogimiento de la Orquesta Sinfónica Nacional como parte del delirio privatizador de alcaldes como Enrique Peñalosa y presidentes como Álvaro Uribe (ver también: http://colombia.indymedia.org/news/2003/02/1631.php).

YO-YO MA en Bogotá

2007-06-14T22:03:00.000-07:00

Un verdadero derroche de musicalidad y notable tour de force musical (tres grandes sonatas, dos piezas latinoamericanas y tres encores) brindaron Yo-Yo Ma y Kathryn Stott en la noche de ayer en el Teatro Colón. Las obras de Schubert y Franck fueron tal vez las que mejor se adaptaban a la íntima compenetración de Ma (o será Yo-Yo, nunca sabe uno) con su instrumento. El resultado fue inmejorable: los ideales sonoros del romanticismo y del post-romanticismo vertidos en una inmensa riqueza de matices y exhuberancia de variedad de sonido. Y siendo estas sus grandes fortalezas, Ma entregó una versión de Franck que fue tal vez lo mejor de la noche. Sin embargo, aquí en el terreno del sonido y del equilibrio entre los dos instrumentos, se presentó el lunar que persistió toda la noche (al menos así lo oí desde mi crujiente silla del balcón numerado No. 39): el notable contraste entre la aterciopelada dulzura del violoncello y la aspereza metálica del voicing del piano del Teatro.

Es difícil encontrar el equivalente castellano del concepto de voicing de un piano (regulación y entonación se acercan), pero en otras palabras se trata de lograr que este instrumento tenga su ‘voz’. Una ‘voz’ o un tono que pueden ser robusto o enérgico, suave o meloso, según sea al caso, cosa que logran los hábiles piano technicians (tampoco hay un claro equivalente castellano) dependiendo eso si, de que tanta posibilidad de variación porporcione el instrumento que estén regulando. No sabemos si éste instrumento en particular da poco espacio de maniobra o si lo que faltó fue pensar en la necesidad de un voicing adecuado y lograrlo. Anoche quedó claro que para un recital de esta naturaleza no sólo es necesario afinar el instrumento.

Como la cuerda se rompe por lo más delgado, por la razón anterior es posible que anoche algunos hayan opinado que: ‘no les gustó la pianista’. Todo lo contrario, su discresión e inteligencia musical fueron la otra gran cima del concierto pues intentó siempre (con lo que permitió el instrumento) lograr el equlibrio de que hablamos. Kathryn Stott estuvo más que a la altura de la gran dificultad de las partes de piano de Shostakovich y Franck, con notables logros como el Allegretto poco mosso de éste último, donde consiguió la medida justa en esa convesación con motivos cortos y memorables con que el cello responde a las insinuaciones del piano. Con aquel delicado tejido no pudimos haber tenido un mejor final para el concierto. Stott hizo honor así a la gran tradición inglesa de pianistas acompañantes, como el compositor y pianista Benjamin Britten, a quien el legendario Gerald Moore reconocía como el mejor. Moore es el autor de The Unashamed Accompanist (1943) y Am I too loud? (1962), libros de memorias musicales que son consideradas Biblias por los pianistas acompañantes. Sin olvidar que Stott ha desarrolado paralelamente una exitosa carrera como concertista.

El programa impreso no incluyó información sobre las obras, algo más importante que los breves parrafos biografícos de los compositores incluídos en él. La famosa Sonata Arpeggione (D 821) se identificó ‘para viola y piano’ sin explicar que a pesar de la incomprensible circunstancia de su composición en 1824 para un instrumento híbrido que no tuvo ninguna trascendencia (ver ilustración, Arpeggione de Johann Georg Staufer, Vienna, 1824, Musikinstrumenten-Museum, Universidad de Leipzig), Schubert logra con ella una de sus mejores obras de madurez, hoy convertida en un clásico del repertorio para violoncello. Para entender mejor la coherencia del programa que nos ofrecieron anoche Yo-Yo Ma y Stott, ayuda saber que Shostakovich compuso su Sonata op. 40, una de sus obras más neoclásicas, en un momento crítico de su carrera, cuando la ironía de la música de sus ballets (‘La Polka del burócrata’ en La Edad de Oro) y el crudo realismo de su opera Lady Macbeth motivaron un famoso e infame artículo (‘Confusión en lugar de música’) aparecido en Pravda en el que su música se calificó de ‘neurótica … ruido y griteria’ y además se repudió su mal gusto de ‘pequeño burgués’. Estridencias parecidas a aquellas oídas en la fallida presentación en 1975 de Mstislav Rostropovich (otro de los grandes del cello y destinatario del Grand Tango de Piazzola) en el Auditorio General de la Universidad Nacional (antes de que se comenzara a llamar León de Greiff).

Esto nos lleva a una última consideración: este repertorio es universal, nos pertenece a todos y el derecho a disfrutar de la maestría que vimos y oímos el jueves en la noche debería ser lo más universal posible. ¿Como lograrlo? La subvención estatal y privada parecen ser las obvias respuestas. Entidades públicas como la Sala Luis A. Arango (Pieter Wispelwey, otro de las grandes ligas del cello a US $ 7) y el Instituto Distrital de Cultura y Turismo lo están haciendo. El Teatro Colón (también entidad pública) lo hizo, en especial durante su época ‘gloriosa’ entre 1952 y 1974 cuando nos visitaron Stravinsky, Menuhin, Arrau, Rubinstein, Segovia, Heifetz y Marian Anderson y no sólo el ‘gallinero’ estuvo siempre repleto de músicos, estudiantes y amantes de la música. Los precios del concierto fueron desproporcionados para nuestro medio (US $ 35-275). Sin ánimo de caer en el uso –tan popular hoy entre nosotros- de citar cifras y cifras, tomenos los siguientes ejemplos que apoyan mi anterior afirmación.
Yo-Yo Ma actuará (Agosto 8, 2007) con la Orquesta de Filadelfia en el Saratoga Arts Center (Saratoga Springs, NY, USA) con una capacidad para alrededor de 600 personas con precios entre los US $ 23-80 y en la misma gira efectuará otra presentación (Agosto 4, 2007) con la Orquesta Sinfónica de Boston en el reconocido Festival de Tanglewood (Lenox, Mass., USA), esta vez con localidades entre los US $19-99. Y por último, el concierto que oímos el jueves lo volverán a tocar Yo-Yo Ma y Stott el 18 de noviembre de este año en otra prestigiosa sala, el Renée and Henry Segerstrom Concert Hall , del Orange County (Costa Mesa, California) con capacidad para 2000 personas. Los precios serán sólo un poco más bajos que los cobrados el jueves (US $ 35-250), sin embargo, el ingreso per capita del condado que alberga el auditorio (contando los millonarios y los braceros mexicanos) es de US $ 26.000.oo (comparable al de España, Italia, Singapur y Taiwan) mientras que, según la misma fuente, el de Colombia es solamente de US $ 6.600.oo (1).

(1) Se trata de la información proporcionada en la pagina web de Wikipedia (http://en.wikipedia.org/wiki/Orange_County,_California) correspondiente al Orange County. Según las estadísticas del Fondo Monetario Internacional IMF (www.imf.org), el ingreso per capita de Colombia para el 2006 fue de US $ 3.019.oo mientras que el de los Estados Unidos para el mismo año fue de US $ 44.168.oo.

BOGOTARAB en concierto

2007-05-31T21:21:00.001-07:00

Oscar Mora (nay, riq y dirección), Jaime Quijano (violín, rebec), Natalia Pazos (darbouka), Nubia Reyes (clarinete), Juan Carlos Varón (bouzouki), Ahmed Ould (canto)

Considero saludable y plausible que haya quien se interese por superar el provincianismo que ha caracterizado tradicionalmente el medio musical bogotano. La existencia en la ciudad de varios grupos que intentan cultivar repertorios poco difundidos, Hemiola, música griega, Bereket, música turca, y ahora Bogotarab, música árabe, es sin duda una buena noticia para todos. El motivo de estas notas es el concierto ofrecido por este último grupo el miércoles 30 de mayo en el auditorio de UNIANDINOS.

En la actualidad es muy difícil defender la idea de un grupo musical que –a menos que se proponga reconstrucciones históricas – tenga como programa estético el mantener cualquier ortodoxia. Aún en ambientes conservadores es difícil resistir el hoy llamado concepto de fusión a pesar de que no se trate de nada nuevo y que sea la forma de entender lo que de sobra nos ha enseñado la historia de la música y de la cultura, es decir, que si hay algo que no se debe usar en estas discusiones son los conceptos de ‘pureza’ y de ‘autenticidad’. En este terreno la propuesta de Bogotarab podría ser más audaz. Si ya se acepta la participación del bouzouki y el clarinete (propios de la música popular griega) o de la multipercusión (cascabeles de pie); ¿por qué no entonces ampliar la gama sonora del conjunto incluyendo, por ejemplo, la familia de las flautas dulces que podría aportar Juan Carlos Varón o el oud, que descansa sin cuerdas encima del clavicémbalo en la casa de Jaime Quijano? Esto hubiera evitado en parte la monotonía resultante de conservar la misma instrumentación en casi todas las piezas del programa.

Y ahora trayendo a cuenta la autenticidad, entiendo parcialmente el hecho de que se haya incluido a Ahmed Ould como directo portador del lenguaje y la tradición. Digo parcialmente, pues en realidad el balance de su participación no constituyó un verdadero aporte por su falta de experiencia en las lides escénicas (al menos se hubiera vestido para la ocasión) y porque, no tratándose de un cantante profesional, verlo en escena evocaba, más que el tarab (éxtasis musical Sufi), un fin de fiesta en el bar del Holiday Inn de cualquier ciudad del mundo árabe. Fue desafortunado que, faltando traducciones impresas o hechas verbalmente antes de las piezas, no nos enteráramos de que tipo de textos estaba cantando.

Se tocaron por lo menos tres piezas de baile en las que sin duda se destacó el papel de la percusión, especialmente en la soltura y buena asimilación del estilo por parte de Oscar Mora. Sin embargo faltó el baile o mejor dicho estuvo simultáneamente ausente y presente pues las integrantes de la Fundación Nagham (Compañía de Danzas Árabes Najla) –especializada en la difusión del baile y la cultura islámica- seguían entusiastas con sus palmas y sentadas entre el público, aquellos complejos esquemas rítmicos con los que se hubieran podido lucir bailando en el escenario.

El sonido del grupo no se benefició del uso de la amplificación, que sobraba en un recinto que le era adecuado acústicamente. El sistema de afinación del bouzouki no favoreció (al tratarse de un instrumento de otra tradición) la improvisación con los esquemas melódicos de las piezas interpretadas. El violín podría haberse arriesgado más y es una lástima que en las piezas de tradición andalusí no se hubiera recurrido más al rebec, directo descendiente del rebab, el instrumento usado en la orquesta tradicional del norte de África. La dificultad del nay se hizo evidente en el sonido, aún un poco áspero, pero que contó afortunadamente con el complemento de la agradable redondez del sonido del clarinete, en este terreno, lo mejor de la noche. En general faltó flexibilidad en la improvisación y la falta de familiaridad con el estilo se evidenció por ejemplo en una de las piezas cantadas (Sa’loni el nas de Ziad Rahbani) que estuvo totalmente por fuera del registro del cantante.

El auditorio puede funcionar muy bien, pero es necesario que el esfuerzo que hace el Capítulo de Música de UNIANDINOS por proveer una programación atractiva tenga una mayor contraparte de la institución. Además de los programas y reseñas de los artistas, obras y compositores, sería importante que se pensara, cuando se trate de música vocal, en incluir los textos y traducciones. Por otra parte se debe contar con el equipo de luces adecuadas para conciertos y otros espectáculos, que sean algo más que las necesarias para las presentaciones de PowerPoint. El miércoles el escenario estuvo en penumbra durante el concierto y muy seguramente los músicos tuvieron dificultades para leer de sus partituras. Hubo también bastante informalidad, pues no se controló debidamente la entrada y salida de gente a la sala durante el concierto. En resumen, de parte de todos, un esfuerzo de aplaudir y desear que continúe, mejorando.

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II CURSO DE ICONOGRAFIA MUSICAL
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'Iconografía muslcal en América Latina: tradición europea y realidad americana'

MUSICA RENACENTISTA Y BARROCA EN AMERICA LATINA

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CONFERENCIAS

Marzo 8 y 22, Abril 5, 2006
UNIANDINOS
Calle 92 16-11
tel 6019666
7.30 PM

ACTIVIDADES Londres Nov 2005

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Conferencias/Talks

Tradicional and popular music of Colombia: its past and present
Instituto Cervantes
102 Eaton Square
London SW1W 9AN
Tuesday 15 November, 6.30 pm

Vallenato: Popular Colombian music from the Caribbean Coast, its music and canonic traditions.
Latin American Music Seminar
Saturday 19 November, 11.30 am
Institute for the Study of the Americas, University of London
31 Tavistock Square
London WC1H 9HA
tel 020 7862 8870
fax 020 7862 8886
email americas@sas.ac.uk
http://americas.sas.ac.uk/events/lamsnov05.htm

The performance of Colombian vallenato: A case of fabrication and double standards
British Forum for Ethnomusicology.
One Day Conference, Diaspora, Postcolonialism and Performance
26 november 2005
The Old Piggery, Trent Park Campus, Middlesex University

Program:
http://www.bfe.org.uk/resources/2005Middlesex.pdf

ULTIMAS PUBLICACIONES Y CONFERENCIAS

2005-10-10T12:55:00.000-07:00

Publicaciones:

'Por dentro y por fuera: El vallenato, su música y sus tradiciones escritas y canónicas',
Musica popular na America Latina: Pontos de Escuta, eds. Martha Ulhoa, Ana Maria Ochoa, Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul/IASMP, 2005, pp. 214-45.

'Las canciones de la tierra', Colombia: esta es tu herencia, Semana, 1208, (jun-jul 2005).
http://semana.terra.com.co/opencms/opencms/Semana/articulo2.html?id=88163
Para oir ejempos musicales de los tipos de música citados en este artículo ver
DISCOTECA VIRTUAL

'Clásico vs. Popular, un falso dilema', UN Periodico, 15 agosto 2005.

http://unperiodico.unal.edu.co/ediciones/79/18.htm

Conferencias:

El porro: su música y su contexto historico y cultural
Cátedra del Caribe, Observatorio del Caribe Colombiano
Universidad de Sucre, Sincelejo,
Oct. 18, 2005, 10.30 am

Obras y compositores en Colombia, siglos XVI-XIX
Ciclo Compositores Colombianos
Sala Victor Mallarino, Teatro de Cristobal Colón
Oct 19, 2005, 4.30 pm

Música de la costa pacífica: una introducción musicológica

Costa Pacífica: Cartografía analítica

Centro Cultural Leopoldo López Alvarez, Pasto

Octubre 28, 2005, 9 am.

El vallenato y sus tradiciones canónicas
El Caribe en la nación colombiana
X Cátedra Anual de Historia Ernesto Restrepo Tirado
Auditorio Teresa Cuervo Borda, Museo Nacional de Colombia
Octubre 29, 2005, 2 pm